TEM QUE OUVIR: Lady Gaga - The Fame Monster (Deluxe Edition) (2009)

Quando a Lady Gaga surgiu aos olhos do grande público, eu estava completamente distante da música pop. Já não assistia MTV ou ouvia rádio. Me encontrava no meu mundo de heavy metal, rock progressivo e música brasileira setentista. Um radicalismo típico do final da adolescência. Entretanto, o impacto da Gaga foi tão grande que chamou minha atenção. Ela tinha aquela descartabilidade do pop, mas também uma conexão com o pop/eletrônico alternativo. Sua música era imbuída de elementos de synthpop e glam rock, mas dentro de um contexto estranhamente futurista. Isso sem mencionar sua personalidade sexy e afrontosa. Seu álbum The Fame (2008) já trazia uma coleção de singles impressionantes, mas somado ao EP The Fame Monster via o The Fame Monster (Deluxe Edition) (2009), fez se um clássico do pop contemporâneo.

Pensando cronologicamente, vale começar pelas faixas do The Fame. "Just Dance" traz o pop sintético de volta para as pistas. Não há elementos do r&b tão em voga no período, estando mais próximo do electropop/dance pop que artistas como a Robyn faziam no período. Seu refrão é de simplicidade entusiasmante.

O talento vocal da Gaga somado a sintentizadores saturados em "LoveGame" faz dela um single poderoso. Vale dizer que a produção na maior parte das faixas é assinada pelo RedOne.

Poucas canções retratam melhor o período que "Paparazzi", que acompanhado do videoclipe, ajudou a consolidar a imagem da Gaga como uma artista de vanguarda dentro da moda e da música pop. Sua produção robótica e raquítica abre espaço para a melodia e refrão memorável.

Agora, nada se compara a "Poker Face". Seu synth ganchudo, melodia "macabra" no pré-refrão e, obviamente, o refrão reluzente fazem da canção um clássico do pop contemporâneo.

A atitude rock dá sinais em "Beautiful, Dirty, Rich", mas no fim ela tá mais pra um electroclash somente divertido. Por sua vez, "Eh, Eh (Nothing Else I Can Say)" chega a soar bizarra, sendo uma espécie de r&b europop retrô que, de tão descartável, tem sua graça. É meio trash. E nesse caminho irregular o The Fame (2008) foi construído, de modo que se justifica a junção ao EP The Fame Monster afim de proporcionar momentos mais memoráveis. São eles:

"Bad Romance". Dispensa apresentações. Uma das melhores aberturas da história. Seu baixo é encorpado, seus synths emanam luzes cortantes, a interpretação da Gaga é poderosa, a melodia é ganchuda (e memetica) e o refrão é um assombro pop. Clássico!

A teatralidade e versatildaide da Gaga é exposta em "Alejandro", canção que relembra os grandes momentos do ABBA, mas numa produção contemporânea. Seu videoclipe é provocativo, blasfêmico, gay e, por tudo isso, ótimo.

Adoro a produção escandalosa de "Monster". Ela já tem algo do que viria a ser explorado no hyperpop. Seu teor "dark", por mais bobinho que seja, se distancia da estética imaculada de divas pop que dominou a indústria no período.

Embora alguém possa acusar "Speechless" de ser um pastiche de Queen ou Elton John, eu acho uma grande canção. Ela traz uma atmosfera mais orgânica ao trabalho. O piano fala alto e a interpretação da Lady Gaga não é passível de crítica. Talvez o primeiro sinal claro da boa cantora que ela é, algo que hoje ninguém mais nega.

Embora com energia rockeira, "Dance In The Dark" volta pra atmosférica sintética, ultra comprimida e "dark" de seu pop de pista/noturno.

Pra usar jargões desse período, afirmo que "Telephone" é um acontecimento. Um encontro da Lady Gaga com a Beyoncé espanta ainda mais agora, visto que ambas se consagraram como as maiores e melhores artistas do pop do século XXI. Se por um lado a música nunca saltou aos meus ouvidos - embora ache bacana, principalmente o refrão -, a parceria combinada do ótimo videoclipe faz da canção um marco.

Olhando pro pop da virada do milênio, "So Happy I Could Die" tem sua graça. Melhor ainda é "Teeth", que traz elementos da country music e do gospel numa canção de conteúdo sexual. Ótima produção e performance vocal. 

Lady Gaga posteriormente sofreu do mal de se levar a sério demais. Talento, dinheiro e bajulação não foram capazes - muito pelo contrário - de reproduzirem o barulho e frescor presente em seu fantástico início de carreira.

ACHADOS DA SEMANA: Alexisonfire, Lenine, Translator e Tank

Alexisonfire
Crisis (2006). Daquele departamento “discos para ouvir na academia”. Gosto da intensidade, embora seja um tipo de produção que fazia mais sentido na época que saiu. Notei uma certa similaridade no direcionamento melódico dos refrões com o que faz o Killswitch Engage, só que aqui na praia post-hardcore/emo. Bacana.

Lenine
Lenine é inegavelmente muito talentoso. Das personalidades que despontaram na MPB na década de 1990 é dos que mais gosto. É que reconheço nele ruídos típicos do período que transcendem o formato da canção brasileira. O Dia Em Que Faremos Contato (1997), seu primeiro álbum solo, é uma boa amostra disso. Muito groove e brasileiro, mas também “alternativo” e cosmopolita. Lembrando que colaboram no disco Marcos Suzano, Chico Neves, Liminha, Pedro Sá, dentre outros.

Translator
No Time Like Now (1983). Se não me engano soube desse disco porque o Edgard Scandurra citou como uma referência para o som do Ira!. E faz sentido. Ele transita entre o pós-punk e power pop. Embora o álbum seja bem oitentista, por ele abdicar de teclados e se calcar na sonoridade de um quarteto, ele não soa datado. Tem canções bem legais.

Tank
Nunca tinha escutado essa banda clássica do terceiro escalão do heavy metal. Vi que o Filth Hounds Of Hades (1982) era uma unanimidade e fui conferir. É bacana mesmo. Lembra um Motörhead com bem menos peso (o que não é um problema). A produção inclusive é do Fast Eddie Clarke. Sem dúvida um dos alicerces do speed metal. Adorei o fato do vocalista Algy Ward (ex-baixista do Saints e Damned) não soar detestável, o que costuma ser dentro desse segmento (ao menos aos meus ouvidos). Boas composições. Bem divertido.

ACHADOS DA SEMANA: Salif Keita, Warren Zevon e Albert King

Salif Keita
“Quando ouvi Salif Keita, dancei”. Então fui ouvir, ué! É dançante mesmo. É o sol do Mali via ritmos pulsantes. Foi inevitável não fazer um paralelo com o que de melhor havia na axé music. Fora que há um colorido timbristico em seus amplos arranjos. Peguei pra conferir o álbum Folon (1995). Muito bem produzido. Tem cada linha de baixo!

Warren Zevon
Warren Zevon (1976). Por acaso vi que a Pitchfork deu nota 10 pra esse álbum. Fui conferir esperando aquele típico cancioneiro norte-americano e encontrei justamente isso. Ao piano ele traz elementos da música country. A gravação é ótima e as composições são boas, mas se eu falar que é algo que salta aos meus ouvidos estarei mentindo.

Albert King
I’ll Play The Blues For You (1972). Saiu uma reedição remasterizada desse disco, fui ouvir e fiquei impactado pela guitarra do Albert King. Não que já não conhecesse, mas o distanciamento seguido da audição me aproximou de algo que imaginava já ter assimilado. O que o SRV pegou daqui não tá escrito. Além da questão restritamente guitarristica, as canções são ótimas, tem excelentes arranjos e performances, além do vocal subestimado do Albert. Não tem como não gostar de blues com um disco desses.

ACHADOS DA SEMANA: Bill Frisell, Alanis Morissette, Belle & Sebastian, Rosa Passos & Lula Galvão, Samiam, Benito Di Paula e Ricardo Silveira

Duas semanas sem postar, então acumulou discos do qual falarei agora.

Bill Frisell
Tô sempre escutando álbuns dele antes de dormir. O ao vivo East/West (2005) foi o escolhido da vez. Vale dizer que pego sempre no escuro. É que independente da estética que ele adote em cada projeto - e pode ir de música acústica, americana, jazz tradicional, jazz contemporâneo - ele sempre demonstra bom gosto, tanto no fraseado quanto nos timbres/captação, sendo que me conforta ouvir ao dormir. Nesse aqui sua guitarra tá particularmente soando muito bem. As músicas são ótimas, com direito a “I Heard It Through The Grapevine”, que só agora soube que não é do Creedence. Sensacional.

Alanis Morissette
Jagged Little Pill (1995). Tô pra reouvir esse disco há muito tempo, visto que, apesar de ser um “clássico”, sempre achei um saco. Minha filha estar gostando (mãe e tia apresentaram) foi uma ótima motivação para dar nova chance. Todavia, realmente não embarquei no som. Verdade seja dita, tem pelo menos uns 5 grandes hits que sobreviveram ao teste do tempo, o que revela a força das composições. A produção e a performance dos músicos também é muito boa, embora polida demais, parecendo uma tentativa de adestrar o rock alternativo do período. Agora, a interpretação/timbre da Alanis é pavorosa (aos meus ouvidos). Até botei PJ Harvey e Fiona Apple pra escutar na sequência pra lembrar que havia cantoras-compositoras muito mais talentosas no período.

Belle & Sebastian
Nunca embarquei muito no som da banda, mas tenho o disco The Boy With The Arab Strap (1998) e botei pra tocar na hora de por minha filha pra dormir. Gostei como nunca antes. É bonito, tem melodias bacanas e arranjos bem redondinhos dentro da proposta. Tô quase me convertendo ao grupo.

Rosa Passos & Lula Galvão

Letra & Música Ary Barroso (1997). Preciso admitir que não sou dos maiores entusiastas da voz da Rosa. Ela é ótima, claro, só não é minha onda. Por sua vez, sou fã do Lula e de suas conduções de violão bossa nova, dos improvisos, do fraseado, das harmonias. Disco muito bonito e agradável.

Samiam
You’re Freaking Me Out (1997). Ah, aquele pop punk/emo noventista que dá uma animada no treino. Tem uns refrões que o Dave Grohl escreveria. Nada demais, mas acho bacana. Adoro a captação enxuta e quente, retratando a banda em estúdio sem muita firula.

Benito Di Paula
Morreu o grande Benito Di Paula e eu não pude deixar isso passar em branco. Inclusive cogitei escrever um TEM QUE OUVIR aqui no blog sobre algum disco dele, mas qual escolher? Entre 1974 e 1976 ele lançou quatro discos maravilhosos. Reouvindo fiquei impressionado como suas interpretações soam apaixonadas/dramáticas. Ele tinha alma. Fora que sua fusão de samba com uma linguagem pop e tradicional (vide o bolero) ao piano é majestosa. A música dele tem a cara das boates paulistanas e, até mesmo, da tradição dos cantores que atuavam em casas de família. Não deixem de ouvir seus discos.

Ricardo Silveira
Conheço o Ricardo por acompanhar outros artistas, inclusive o João Bosco. Também gosto do álbum Bom de Tocar (1984), um clássico da guitarra instrumental brasileira. Mas aí vi a capa do Long Distance (1998) e pensei de imediato “preciso ouvir isso”. Parece um capa lançada pela Shrapnel. Isso posto, é um ótimo álbum de guitarra fusion brasileira. Me remeteu ao que estavam fazendo alguns contemporâneos (Frank Gambale, por exemplo) e o que viria a fazer o Frank Solari. Tremendo guitarrista.

TEM QUE OUVIR: Tony Bennett - I Left My Heart In San Francisco (1962)

Preciso ser honesto sobre meu ponto de partida pra falar sobre esse álbum. É que ia escrever sobre um disco da Lady Gaga, mas me recusei a fazer isso antes de ao menos postar um "Tem Que Ouvir" do Tony Bennett, parceiro da cantora pop no final de sua carreira, quando após mais de 60 álbuns, 70 anos de estrada, 20 Grammys, 10 discos no topo das paradas da Billboard e parceria com meio mundo (de Frank Sinatra à Paul McCartney), ele ajudou a definir o canto da música popular norte-americana. Lançado em 1962, I Left My Heart In San Francisco me pareceu uma excelente pedida.

O álbum lançado pela Columbia estreou já no topo das paradas. Motivos não faltavam. Já um astro, aqui ele reuniu um repertório arrebatador. A começar por "(I Left My Heart) In San Francisco", canção guiada por um violão, piano (copiado por Roberto Carlos em "Emoções"?) e exuberante arranjo de cordas, que discretamente servem de pano de fundo para o canto perfeito do Tony. Que dicção, timbre e afinação! Perfeito. 

A mitológica "Once Upon A Time" tem um ar cinematográfico, com a instrumentação ocupando espaços apropriados num cenário construído para voz de Tony brilhar. Seu alcance melódico e o reverb da captação chegam na alma.

"Tender Is The Night" tem a elegância da máfia. Ouvi-la na terceira idade fumando um charuto pode ser o auge da vida humana.

"Smile", a clássica canção do Charles Chaplin, encontra aqui uma de suas versões definitivas. Basta as primeiras notas tocarem para emocionar. Interpretação impecável do Tony Bennett. Aqui destaco mais uma vez a presença do violão conduzindo o ritmo enquanto uma grande orquestra (com direito a coro de vozes) proporcionar a atmosfera celestial. Tremendo arranjo do Ralph Burns.

Sendo Tony um expositor do cancioneiro norte-americano, Cole Porter é sempre algo a se trabalhar. A escolhida "Love For Sale" imprime em disco a magia da Broadway. Fora que a latinidade da percussão seguida de um frenético walking bass traz um colorido ao disco. Performance potente do Tony Bennett.

Falando em potência, a Count Basie Orchestra surge em "Taking A Chance On Love" com sua força e balanço acima de qualquer suspeita. É o Buddy Rich na bateria, né? Fantástico!

Inteligente e atento que é, "Candy Kisses" tem a jovialidade do rock n' roll, mas claro, aos moldes de um legitimo crooner. E pensando bem, é tudo que Elvis Presley e Roy Orbison queriam ser.

A beleza e o carisma embutido na interpretação de "Have I Told You Lately?" faz parecer fácil sua melodia. Apaixonante!

"Rules Of The Road" traz um arranjo de metais dialogando brilhantemente com a linha melódica vocal. É a cara das big bands de jazz de Nova York. Lembrar novamente de "Emoções" do Roberto é para mim inevitável. 

A calmaria proporcionada por "Marry Young" nos impede de relacionar a canção a outro tempo que não seja o passado. Balada romântica e elegante.

Herança do cinema, "I'm Always Chasing Rainbows" traz um arranjo soberbo assinado pelo Frank De Vol. As cordas e coro vocal elevam a imponência da composição do Harry Carroll.

Ao final ainda dá tempo de Tony Bennett colocar "The Best Is Yet To Come" no mapa para posteriormente ela se tornar um standard vocal do jazz. 

Tony Bennett foi sem dúvida uma das maiores vozes de todos os tempos. Basta ouvir esse disco para perceber isso.

TEM QUE OUVIR: The Beatles - Rubber Soul (1965)

Eu cresci com aquela máxima de que o Revolver (1966) era o ponto de transição na carreira dos Beatles, levando-os a uma proposta mais ambiciosa em termos de composição e arranjo. E digo isso sem qualquer detrimento a fase anterior (do qual, verdade seja dita, alguns conservam uma opinião reducionista). Todavia, hoje parece um senso comum que o verdadeiro ponto de virada é o Rubber Soul (1965), sexto álbum do quarteto, lançado apenas 3 anos após a estreia.

Sua capa borrada/distorcida já aponta para um psicodelia que assolaria o mundo posteriormente. Os quatro parecem adultos reivindicando a perda da inocência. 

O rock n' roll irresistível de "Drive My Car" abre o disco em ponto alto. É espetacular a forma que guitarra e baixo trabalham em uníssono num riff constante. As vozes em dobradinha do John Lennon e Paul McCartney funcionam muito bem (normal!). O piano no excelente refrão; o cowbell martelando o ouvido; o slide tocado não pelo George, mas pelo Paul; a divertida onomatopeia de buzina... detalhes que revelam a capacidade do grupo de fazer uma simples composição virar algo enorme.

Seja pela letra, melodia ou uso de cítara, "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" é claramente um ponto de virada. Uma das grandes baladas da banda, que foge de qualquer esteriotipia deste formato de canção.

"You Won't See Me" é a lapidação no estilo de composição que eles vinham apresentando até então. A linha de baixo é um espetáculo e os backing vocals são divertidos (e hoje estereotipados). Melodia maravilhosa. Perfeito power pop.

Quantas bandas tentaram emular os vocais e guitarras rickenbacker de "Nowhere Man"? Uma pérola pop, simples assim.

"Think For Yourself" é uma das primeiras amostras do George Harrison botando as manguinhas de fora no quesito composição. A melodia é fantástica e as soluções rítmicas do Ringo Starr dão movimento ao arranjo. Entretanto, o que chama atenção mesmo são seus dois baixos, sendo um deles com um fuzz saturadíssimo, parecendo emular uma corneta. Muito legal!.

Ringo Starr sempre foi um amante da country music, sendo que ele expõe essa influência em "What Goes On". Impressiona a destreza do George Harrison ao emular os primeiros guitar heroes do rock, vide Scotty Moore.

Eu sempre adorei a ternura de "Girl". E não sou o único, não é mesmo Ronnie Von? Aqui vale notar como o olhar ao passado do John era muito mais “malicioso” que as "cafonagens" do Paul (que eu adoro!). 

O que ainda não foi dito sobre "In My Life"? Uma das mais lindas baladas de todos os tempos. Melodia perfeita, entoada com a graciosidade rebelde do John Lennon. Atenção para seu solo de piano de recorte completamente barroco (mérito do George Martin). 

Seja pela ótima melodia, guitarras de 12 cordas retro-influenciadas pelo Byrds, estupenda linha de baixo ou vocalizações perfeitas, a esquecida "If I Needed Someone" não é uma canção a se ignorar. Vale lembrar que a composição é do George Harrison.

Há ainda no disco o rock certeiro "The Word"; o olhar ao passado do Paul com a bonita "Michelle"; as guitarras estridentes em "I'm Looking Throught You"; a power pop "Wait"; e o rockinho bacanudo "Run For Your Life" (com direito a ótimas guitarras).

Um clássico tão batido que por vezes até esquecemos de admira-lo. Quem nunca o esqueceu foi Brian Wilson, que de tanto encantando pela obra, se sentiu intimidado/inspirado a arquitetar o Pet Sounds.

ACHADOS DA SEMANA: XTC, Aerosmith, Pedro Luis e a Parede, Tchaikovsky e Bill Frisell

XTC
Assisti um documentário curtinho e muito legal sobre o XTC que me levou a ouvir alguns discos. A começar pelo White Music (1978), o debut, que apresenta o grupo reagindo ao punk rock à sua forma. O resultado é inventivo, com teclados dissonantes e o trio baixo, guitarra e bateria provendo um alicerce funky. Da pra comparar com a estreia do Police (não por acaso eles tinham o mesmo empresário). Da pra chamar de art punk. Da pra imaginar os caras do Minutemen ouvindo esse disco. Já o Drums And Wire (1979) é muito lembrado pela produção do Steve Lillywhite, que criou uma sonoridade de bateria naturalmente grandiosa. É bem bacana também, com direito a passagens de guitarra selvagens. Nonsuch (1991) já parece embarcar na onda britpop (que eles ajudaram a desenvolver sonoramente, então é legítimo). No mínimo um power pop dos bons. Mais um disco bem legal. Bandaça!

Aerosmith
Não sei se já comentei aqui no blog, mas sou um defensor das “fases ruins” do Aerosmith e Bon Jovi. Explico: é que por melhores que eles sejam em seus respectivos auges - Bon Jovi menos -, havia grupos melhores fazendo o que eles propunham. Agora, quando o assunto é power ballad noveleira, eles são os reis. Tava ouvindo o Nine Lives (1997), disco pelo qual conheci o Aerosmith, e constei novamente a maravilha da produção, arranjos e performances, inclusive na baladona “Hole In My Soul”. É cafona, mas eu adoro!

Pedro Luis e a Parede
Astronauta Tupy (1997). Daqueles discos querido por muitos, mas que ao longo dos anos passou indiferente por mim (normal, quando saiu eu era apenas uma criança). É um álbum bem carioca, que parece fazer com maior êxito aquilo que o Gabriel O Pensador e Fernanda Abreu tentaram - embora com ele provavelmente mirando em Jorge Ben, Raul Seixas e Caetano Veloso -, um rap funk pop brasileiro. Tem boas sacadas, humor, balanço, exotismo e força. Obviamente há ótimas percussões, sendo inclusive uma marca desse período da MPB. Lembrando que a produção é assinada pelo Tom Capone. É bacana mesmo. Obs: ouvi “Máquina de Escrever” certo que o baixo fretless era do Arthur Maia e me surpreendi ao ver que é o Liminha.

Tchaikovsky
Eu e minha filha fomos no fim de semana assistir um concerto pra piano de Tchaikovsky, mas chegamos em cima da hora e o teatro já estava lotado. Mas antes de dormir, busquei um CD contendo “The Nutcracker”, “Piano Concerto N.1” e “Romeo & Juliet” pra ouvir com ela. Nem me pergunte sobre as versões, sou leigo, apenas herdei esse disco. O legal dessa história foi no dia seguinte a minha filha escolher ouvir novamente o CD. E ouviu inteiro, se encantando com os movimentos, climas, melodias e dinâmicas. Realmente são obras expressivas e lúdicas, sendo compreensível seu gosto. Chega a parecer trilha sonora de desenho. Mas não deixa de ser muito bacana a disposição dela. Não subestimem seus filhos.

Bill Frisell
Sempre ele! Desta vez em trio, acompanhado de ninguém menos que Dave Holland e Elvis Jones. É um disco lançado em 2001. Incrível como ele consegue pegar dois veteranos do jazz, num formato tradicional do estilo, mas proporcionar uma linguagem mais contemporânea, desenvolvendo climas, harmonia e a interação sem necessariamente recorrer a solos mirabolantes. Chama atenção também o uso do violão. Agradável e perfeito pra ouvir antes de dormir.