TEM QUE OUVIR: Dolly Parton - Jolene (1974)

Por mais que a música country seja um gênero peculiarmente restrito a cultura norte-americana - onde atingiu grande adesão popular, sendo no resto do mundo apenas um segmento de nicho - Dolly Parton é daquelas personalidades que transcendem o estilo, sendo Jolene (1974) muito responsável por isso.

Com um cabelo imponente que elevava sua baixa estatura, maquiagem burlesca e roupas típicas de uma princesa do campo, ela criou um demarcador estético reproduzido até hoje por nomes como Miley Cyrus e Sabrina Carpenter (exemplos que migram para além da música country).

O enorme sucesso "Jolene" abre o disco revelando a destreza interpretativa de Dolly, dona de vibrato característico, atingindo notadas agudas confortáveis para seu timbre (ao contrário de tantos que interpretaram a canção) e enorme capacidade narrativa ao tratar com admiração a amante "de seu homem". Não por acaso a canção virou um standard da música country. Destaque ainda para sua melodia com traços medievais e violão de dedilhado complexo.

Apresentado já na capa, o álbum guarda outro enorme sucesso: "I Will Always Love You". É verdade que foi a versão da Whitney Houston que jogou canção a níveis estratosféricos, mas a força já estava em Dolly. Fora que seu arranjo orgânico e a doçura contida na interpretação original envelheceu muito melhor. Vale lembrar que ambos os hits são de autoria da Dolly, demonstrando que ela não era uma marionete da indústria, mas uma artista de voz ativa. Inclusive, "I Will Always Love You" aborda seu rompimento com o Porter Wagoner, personalidade da TV norte-americana, que ajudou na difusão da música country e que tinha Dolly como sua pupila.

Eu sou um fanático pelo trabalho de cordas presente na música country, sendo que "When Someone Wants To Leave" expõe essa qualidade. Violão, slide e pedal steel amarrados com esmero. Bumbo no tempo forte, chimbal ditando o ritmo, levada na caixa em sua metade final e thumping bass completam o arranjo. Vale ainda se atentar a letra, que poeticamente trata com naturalidade o fim de um relacionamento. Para nós brasileiros, acostumados aos melodramas do sertanejo, é interessante analisar culturalmente esse aspecto dentro da música country.

É um destaque à parte o pedal steel do lendário Pete Drake em "Highlight Of My Life". Aqui há um template de como captar e construir um arranjo de country. Que sonoridade!

Em "Randy" as guitarras se entrelaçam com a voz de Dolly numa performance cheia de personalidade e carisma. Tremenda canção!

A melancolia de "Lonely Comin' Down" recebe contornos de arranjo e dinâmica épicos se comparado as outras canções deste disco. Beira o cinematográfico. Vale dizer que à composição é uma parceria com o Porter Wagoner.

Destaque ainda para a paisagem rural glamorosa construída na aconchegante "River Of Happiness"; o clima rock n' roll na excelente balada "Early Morning Breeze", o refrão choroso de "Living On Memories Of You" (mais um show de guitarras e belo uso de gaita no arranjo); e a caipirice adorável de "It Must Be You".

De curta duração - 10 faixas em 25 minutos -, Jolene é a concisão e excelência de Dolly Parton e, portanto, da country music. Um disco que ainda ecoa por suas canções e pela influência que deixou, seja na Shania Twain, Taylor Swift ou Kacey Musgraves.

ACHADOS DA SEMANA: The Who, Quito Ribeiro, Facção Central e Acid

The Who

Preciso assumir algo que só vai me desabonar: não sou grande fã do The Who Sell Out (1967). Nunca fui. Entendo suas inovações formais e conceituais, mas acho seu desenvolver confuso (não por complexidade, mas por “não decolar”). Claro, tem grandes faixas, mas me refiro a experiência como um todo. Sinto também que os arranjos “não cabem” na produção. Isso posto, The Who é maravilhoso e foi bom reouvir o álbum, nem que seja pra reafirmar que ele não está entre meus prediletos da banda.

Quito Ribeiro 

Uma Coisa Só (2007). Embora tenha quase 20 anos, esse álbum soa dentro da contemporaneidade da música brasileira. Quito é um compositor de prestígio, o que levou a contar com a colaboração de muita gente talentosa nessa sua estreia. Tem Domenico, Kassin, Davi Moraes, Pedro Sá, Moreno Veloso, Daniel Jobim… resumidamente, aquela alta casta já conhecida por todos. Atente-se às texturas da produção (por vezes oriunda do dub), arranjos (principalmente das percussões) e composições em si. É bem bacana. 

Facção Central

Por conta de um vídeo de humor que me deparei no Instagram, fui instigado e revisitar esse grupo histórico do rap nacional que, confesso, não escutava há muito tempo. Lembro que quando criança ouvia muito na casa de um amigo, assim como as coletâneas da Espaço Rap, que também tô querendo revisitar. Voltando ao Facçao Central, impressiona como as canções não perderam a força. É uma poética dura, melancólica, feroz. Muito mais que quaisquer “limitações técnicas”, fica a energia e dramaticidade das composições e interpretações. 

Acid 

Maniac (1983). Discão do segundo (ou terceiro?) escalão da NWOBHM. Vire e mexe pego algum desses “clássicos” do heavy metal pra revisitar. Bom pra ouvir no banho, tomando uma cerveja, antes de ir pra um show (cada um com sua alegria, não julgue). Interessante como a banda soa como um Motörhead com menos peso e com um vocalista que lembra o Geddy Lee no início. Se essa descrição te empolga, vá em frente!

TEM QUE OUVIR: Morrissey - "Viva Hate" (1988)

Se hoje o Morrissey virou uma figura antipática para muitos, em 1988 ele causava paixão à flor da pele. Porém, rolava uma incerteza sobre seu futuro, já que o Smiths havia encerrado as atividades e o Johnny Marr era o alicerce para o lirismo do cantor. Rapidamente Morrissey tirou qualquer dúvida que pairava no ar. "Viva Hate" (1988) - nome de simplicidade descritiva brilhante - mostrou que ele tinha muito a oferecer.

Dramático, seguro e feliz, Morrissey estampa a capa do disco com aquele filtro envelhecido que acompanhou a estética da sua antiga banda. Mas agora os companheiros eram outros, vide o produtor Stephen Street (que mandou muito bem na construção das linhas de baixo) e o arranjador/guitarrista Vini Reilly (líder do Durutti Column). Ambos ditam os rumos sonoros do álbum, à começar por "Alsatian Cousin", onde uma bateria dura é coberta por guitarras ruidosas gritantes e um baixo cheio de groove. Um começo de certa forma chocante para aqueles que estavam acostumadas com as resoluções sonoras belas do Smiths. Nesse sentido, a sequência com a acústica "Little Man, What Now?" relembra melhor a dramaticidade interpretativa pela qual Morrissey ganhou devoção.

A amarga solidão do cantor em "Everyday Is Like Sunday" recebe o fino trato do grande melodista que ele é. Que refrão! Isso sem falar do seu baixo poderoso, cama de teclado tipicamente oitentista e bonito arranjo de cordas contrabalanceando a temporariedade. Clássico!

Ao que consta, "Bengali In Platforms" existe desde os tempos de Smiths. Talvez por isso, o seu violão (solo e base) parace se distanciar do que faria Marr. Outra amostra de novas cores se dá nas cordas que sustentam a linda "Angel Angel Down We Go Together".

O beat estranho em "Late Night, Maudlin Street" não é capaz de atenuar a beleza da canção. Tremenda melodia vocal e performance do Morrissey, lembrando a todos que ele é um cantor muito acima da média.

Se faltava um hit ao disco, "Suedehead" - Ryan Adams estava certo, ela está aqui! - surge luminosa, jogando os holofotes na carreira solo do Morrissey. Levada maravilhosa, acompanhada de um refrão inesquecível, sendo responsável em grande parte por levar o álbum ao topo das paradas britânicas.

Algumas canções parecem romper com os Smiths ao mesmo tempo que ecoam sua sonoridade, é o caso de "Break Up The Family" (ótimas guitarras) e "The Ordinary Boys" (de melodia e progressão harmônica rebuscada).

Adoro a euforia de "I Don't Mind If You Forget Me". Sua guitarra estranhíssima é de charme peculiar. Já o baixão envolvente e a performance adorável do Morrissey é protocolar.

A lindíssima "Dial-a-Cliché" é inglesa na essência. Ainda que acústica e enxuta em elementos, há uma elegância melódica e interpretativa que faz ela soar mais rica do que propriamente é.

A provocação ácida, aguçada, poética e política de Morrissey se manifesta em "Margaret On The Guillotine", onde ele, com justiça, sonha com a morte da Margareth Tatcher. Maravilhoso. Com uma canção dessas, quem vai ser capaz de não perdoar o Morrissey?

TEM QUE OUVIR: Discharge - Hear Nothing See Nothing Say Nothing (1982)

Ser disruptivo nunca foi sinônimo de alcançar prestigio. Mesmo tendo colaborado decisivamente para o desenvolvimento de gêneros como o hardcore, thrash metal, grindcore e crust - só para citar alguns -, muitos ainda ignoram a força do Hear Nothing See Nothing Say Nothing (1982), álbum de estreia do Discharge. 

Se nos EUA o punk rock já havia desaguado no hardcore através de grupos do Germs, Dead Kennedys e Black Flag, da pra dizer que os ingleses do Discharge foram embriões do hardcore europeu, que como só podia ser, trouxe características próprias, a começar por uma produção ainda mais abrasiva e densa, oriunda do approach do heavy metal já estabelecido no velho continente. 

Basta dar o play do disco pra ser jogado pra trás pelo avalanche sônico de "Hear Nothing See Nothing Say Nothing". A fórmula: Garry Moloney com sua bateria sequinha mandando seu influente d-beat, o canto impositivo do Cal Morris, o baixo gorduroso do Rainy, além do riff grave e solo tipicamente heavy metal do Bones. Simplesmente um clássico do punk hardcore!

Há um clima caos, euforia, distopia e podridão vindo de canções como "The Final Blood Bath". Seria enlouquecedora não fosse tão cativante.

A linha de baixo em "Protest And Survive" é maluquice pura. Parece que o instrumento borbulha em óleo diesel. Que riffão! Isso enquanto a letra faz um chamado para a sobrevivência através da luta.

Como já entrega a "cabeça de repolho" em meio a órgãos sensoriais na capa do disco, há um teor combativo/politico explicito no álbum. A veloz "I Won't Subscribe" aponta pra esse conteúdo. 

Não há como traduzir o pânico da guerra nuclear do período com outra música que não seja "A Hell On Earth". Repare no seu conteúdo, mas também na amplitude intimidadora das guitarras. Seu desaguar nos choros de "Cries Of Help" é o fio narrativo perfeito.

Com acordes dissonantes e velocidade descomunal, "Drunk With Power" é o que há de mais brutal produzido no período. Isso se prolonga pela robusta "Meanwhile" e na virulenta "The Possibility Of Life's Destruction".

O som que sai dos falantes de "The Blood Runs Red" é capaz de esmagar fisicamente os ouvintes.

Há um certo experimentalismo na forma hipnótica de "Free Speech For The Dumb", uma espécie de krautrock do hardcore.

"The End", como só podia ser, encerra o álbum com baixo e guitarra mais parecendo motosserras. 

Do Metallica ao Ratos de Porão, muitos foram os que beberam dessa fonte. Ainda que ninguém tivesse feito, valeria ouvir esse disco só para constar sua energia própria. Poucos minutos de pura selvageria e confronto. 

ACHADOS DA SEMANA: Television Personalities, Ahab, Selena e Bill Haley

Television Personalities

…And Don’t The Kids Just Love It (1981). Eu adoro essa abordagem “punk com guitarra limpa”. Além de abrir espaço para baixos poderosos, funciona também como uma amostra dos potenciais do gênero muito além das estereotipias formais. Aqui a sonoridade fica entre o mod e o power pop. Adoro a interação e performances. E as composições, claro!

Ahab
The Call Of The Wretched Sea (2006). Não sei o porquê de ter salvo esse disco, mas fui dar uma busca e li sobre ser um álbum de “funeral doom metal”. E eu achando que o doom já era fúnebre por natureza. O trabalho apresenta exatamente o que se propõe: peso, ritmo arrastado e climas sombrios. Dentro desses parâmetros, beira o épico (no bom sentido, sem cafonice). O gutural do vocalista é do quinto dos infernos e há timbres impressionantemente grandiosos e graves. Tem cada riffão! É muito bom, mas tem que tá aberto pro inferno astral. 

Selena
Amor Prohibido (1994). Já tinha visto circular esse álbum em algumas postagens sobre a música pop latina. Mesmo desconfiado, decidi ouvir. Não é que achei muito legal! Tem elementos da cumbia, do pop norte-americano, guitarra shred, algo que prevê o forró eletrônico atual, bons arranjos, produção colorida, performance vocal agradável, versão pra clássico dos Pretenders… Impressionante! Muito mais interessante que qualquer coisa que a Shakira fez. Ouçam sem preconceito.

Bill Haley
Bill Haley Presents Lee Jackson (1976). Como assim o Bill Haley tem um disco de rock gravado com músicos brasileiros (o tecladista é o Marcos Maynard) e influência da música brasileira?! E é legal pra caramba! Raul Seixas deve ter ouvido e pensando “fiz tudo certinho”. Não é samba rock, é rock samba! Vale dizer que é um álbum de regravações, com direito a clássica “Rock Around The Clock” com solo de “Brasileirinho”! É bizarro, mas é divertido também.

ACHADOS DA SEMANA: Rollins Band, Chucho Valdés, Aniceto & Campolino, Brincando de Deus e "Fábrica Ritmos"

Rollins Band

The End Of Silence (1992). Não sei qual foi a impressão que esse disco causou na época, visto que ele tem uma carinha de “surfada na onda do momento”, algo que, verdade seja dita, o Henry Rollins pode fazer, já que foi um dos que começou/inspirou muito do estava em voga no período. Isso posto, passado mais de três décadas, essa mistureba de Helmet com Faith No More soa bem legal. Vale dizer que a produção é do Andy Wallace. Que som de baixão!

Chucho Valdés

Live At The Village Vanguard (2000). É pura magia o que o virtuoso pianista cubano Chucho Valdés faz. Toda a complexidade do jazz latino soa convidativo aos ouvidos. Ele não economiza notas. É uma rajada, uma quebradeira solar. Quem toca bateria deveria dar uma atenção extra. Jazz pra estudar, contemplar e, até mesmo, pra deixar rolando em segundo plano em encontro com amigos.

Aniceto & Campolino

O Partido Alto de Aniceto & Campolino (1977). Esse disco - que salvei sabe-se lá por qual motivo -, surpreendeu ao apresentar para mim uma nova ideia de partido alto. Não é o samba do morro, é o samba rural. Tem até viola caipira em alguns momentos. O garfo e prato também surge enquanto instrumento. Embora seja um registro documental, vale ouvir pela beleza e alegria das canções em si, que transcendem qualquer peculiaridade mistificada.

Brincando de Deus

Recentemente rolou uma “discussão de twitter” sobre “novas bandas de nomes estranhos” do cenário indie/alternativo. Uma bobeira, já que vários desses grupos são ótimos. Mas, ao menos serviu para eu lembrar do Brincando de Deus, que não faria feio atualmente nem pelo nome e muito menos pelo som, que envelheceu muito bem. É um dream pop/shoegaze que pode ser colocado ao lado dos contemporâneos internacionais. Fica a recordação para o ótimo disco Better When You Love (Me) (1994).

Fábrica Ritmos (1992)

Compilação muito legal do início do funk (carioca) brasileiro. O groove do miami bass ainda era a base do gênero, embora ele já apresente uma malemolência própria. Tem sample bem legais (Afrika Bambaataa, Prince?, Beastie Boys? o narrador Silvio Luiz?). É divertido, inventivo, engajado, preconceituoso… é uma bagunça. Acho maneiro!

TEM QUE OUVIR: Beth Carvalho - De Pé No Chão (1978)

A história de Beth Carvalho faz jus ao prestigio de rainha do samba que ela adquiriu. Filha de um advogado, estudou na infância piano clássico, balé e apaixonou-se pela bossa nova. Através da convivência com amigos em escolas e rodas de samba, aproximou-se do gênero mais brasileiro por essência, desenvolvendo uma carreira musical brilhante.

Com um faro apurado pra seleção de repertório e voz tão poderosa quanto graciosa, atingiu o sucesso comercial. Buscou parceria com bastiões do gênero, como Cartola e Nelson Cavaquinho, jogando luz em canções hoje tidas como clássicas. Com isso, tornou-se não somente uma das maiores intérpretes do samba, mas da música popular brasileira.

Atenta as rodas de samba do subúrbio carioca - os pagodes -, passou a frequentar o bloco do Cacique de Ramos, onde conheceu os integrantes do Fundo de Quintal (Bira Presidente, Ubirany, Sereno, Almir Guineto, Jorge Aragão, Sombrinha, Arlindo Cruz, dentre outros). Dessa parceria vieram ótimos discos, sendo seu 11º trabalho, De Pé No Chão (1978), um clássico maravilhoso desde a capa.

Foi determinante para o êxito, frescor e potência do disco as inovações na instrumentação aqui presentes. Surgem instrumentos mais volumosos, criados pela necessidade festiva do gênero: o tantã, repique de mão e o banjo de 4 cordas.

Mas é o cavaquinho, instrumento de Beth, que abre o disco. "Vou Festejar" dispensa apresentações. Uma faixa emblemática que traz a atmosfera de descontração presente tanto na letra quanto na capa do álbum. O coro de voz, o falatório, o ritmo frenético de matriz africana... tudo é brilhantemente arranjando por um grupo que tinha na química da prática o principal aliado. Um dos refrãos mais memoráveis e cantados Brasil afora. 

A crítica a como o samba e carnaval foram tratados enquanto meros produtos econômicos - engana-se quem imagina que a problemática é recente - é abordado na elegante "Visual". Seu arranjo crescente é um espetáculo.

O som percussivo dos terreiros orienta a empolgante "O Isaura". Por sua vez, vale se atentar até mesmo ao uso de um acordeom, trazendo uma mistura cultura propriamente brasileira.

O lirismo do canto de Beth em "Marcando Bobeira", somado ao ritmo carnavalesco, revela Beto Sem Braço como brilhante compositor que é. Aqui o velho "malandro carioca" é mais uma vez retratado. Curiosamente, aqui ele se encontra num lapso momento de responsabilidade, não visto com bons olhos pela comunidade.

O violão de 7 cordas (por Dino 7 Cordas), a flauta e o estilo composicional do Nelson Cavaquinho na lindíssima "Meu Caminho" mostra que Beth estava atenta as novas sonoridades, mas sem abandonar a tradição do samba. Vale notar um breve momento em que o violão de 7 é substituído por um baixo elétrico, para logo depois voltar o instrumento acústico.

A clássica "Goiabada Cascão" celebra o passado e a excelência do samba através de uma frase que virou bordão. Composição divertida e inteligente de autoria de Wilson Moreira e Nei Lopes. Por sua vez, a sacana "Você, Eu e a Orgia" é assinada por Martinho da Vila e Candeia. Ela tem a alegria, malemolência e refinamento que tão bem marca a obra da Beth.

A dobradinha "Lenço" traz aquela espirito portelense na dinâmica do disco. Canção linda, genuinamente rica em melodia e ritmo. O mesmo vale para "Passarinho", dona de uma melancolia terna que tanto adoro no samba. 

A exuberante "Linda Borboleta", com direito a arranjo de cordas e presença da Velha Guarda da Portela, faz jus a composição do Monarco. Já a poética e elegância melódica do Cartola em "Que Sejam Bem-Vindos" recebe um tratamento caprichado, com arranjo e interpretação charmosa.

Chega a ser curioso um disco que trouxe tanto frescor ao samba - verdade seja dita, com propriedade e sem invencionismo e oportunismo descabido - ser encerrado com a desolada "Agoniza Mas Não Morre" (Nelson Sargento). É até irônico. É também um manifesto, uma declamação de amor.  

Impossível pensar no fenômeno cultural e comercial que tornou-se o samba e o pagode omitindo Beth e De Pé No Chão dessa história. Disco esplendoroso.